Un petit mot à propos de La métaphore de la maison typographie, le magnifique petit livret risographié, offert par les Rencontres de Lure 2018 à leurs participants cette année et édité par Marie-Astrid Bailly-Maitre avec les brillants jeunes graphistes-typographes Océane Juvin, Jules Tirilly, et Martin Violette.

Alors tout d’abord il faut savoir qu’il y a bien deux Gérard Blanchard… et que cela occasionne des malentendus savoureux. Le second est un rockeur accordéoniste qui s’est fait connaître dans les années 80 avec les remarquables « Rock Amadour » et « Elle voulait revoir sa Normandie ». Perso j’aime bien. Le premier est graveur, typographe, sémiologue, orateur charismatique qui a marqué des générations de graphistes et amis des Rencontres de Lure dont il fut le pivot intellectuel pendant des décennies, de la fin des années 60 à sa mort en 1998. Il s’intéressait à toute la sphère typo-graphique-médiatique, et notamment à la BD, au cinéma, à la musique (liste non restrictive), et combinait sans peur des sources classiques, renaissantes et contemporaine dans ses explorations parfois alambiquées des formes de l’expression médiatique. J’ai eu l’occasion de participer au numéro que Communication et langages lui consacrait en 2013 avec ce texte, publié ici sous forme de mini-série… Typothérapie : le songe Blanchard. Et ce rêve m’est revenu en pleine figure cette année à Lurs quand on m’a remis ce petit inédit merveilleux qu’est cette métaphore de la maison typographie.

La métaphore de la maison typographie

Le prétexte : un projet de CD Rom (on est en 1995, dans la bibliothèque de l’École Estienne, où Gérard Blanchard tient son séminaire, avec ses improbables polycopiés composites de texte, d’image, de signes, hypertextes de papier). Le CD Rom multimédia, aujourd’hui disparu au profit du réseau (comme l’annonçait Hervé Le Crosnier dès la naissance de ce support), est un prétexte à concevoir un musée imaginaire, comme infini, non contraint, animé, interactif, propice à l’exploration et à la divagation.

Dans ce musée imaginaire qu’il nous fait visiter salle par salle, et qui s’avère bien plus qu’un musée, un espace cognitif réticulaire, se découvre l’histoire d’un art-artisanat-industrie : la typographie, du plomb au numérique en passant par la photocomposition. Évidemment, ce qui intéresse Blanchard, c’est ce qui se joue dans le procédé. L’enjeu historique, culturel – sinon civilisationnel – et imaginaire de la manipulation des signes écrits qui se joue dans leur création, entre art et industrie. Il appelle cela « « Le psychodrame permanent qui se joue à travers les formes des lettres, la tension existant entre les forces normalisatrices d’un art industriel et les pulsions qui l’arrachent à l’immobilisme ». Rien que ça. Je n’en dis pas plus, et laisse la parole à Marie-Astrid Bailly-Maître qui a bien voulu que je reproduise ici son introduction à l’opuscule.

La Métaphore de la maison-typographie, texteélaboré au cours d’un séminaire à la bibliothèque de l’école Estienne en 1995, donne une idée de l’esprit qui anime à cette époque les Rencontres de Lure sous l’impulsion de Gérard Blanchard : un esprit de recherche en marge de l’université où l’imagination et la pratique ont leur place tout autant que la théorie et la méthode.

Gérard Blanchard n’est pas de ces théoriciens qui ignorent la forme : non seulement il l’expérimente à travers ses travaux d’illustrateur, de graphiste ou de typographe, mais il en a fait le coeur de sa recherche en sémiologie en développant dans la thèse qu’il a soutenue à la Sorbonne en 1980 comment agit la typographie sur le lecteur et sur le message par le jeu subtil des connotations formelles qui lui sont attachées.

La Métaphore de la maison-typographie est en fait un « radeau de textes ». Son auteur nous livre aussi les coulisses de son élaboration, son objectif et le débat qu’il a suscité chez ses premiers lecteurs/auditeurs, dont je fus, lors d’un week-end de fin de séminaire à l’IRHT (Institut de recherche et d’histoire des textes) à Orléans en mai 1995.

Ce texte raconte l’histoire d’un rêve partagé de musée virtuel de la typographie sur cd-rom, qui n’existera finalement pas ailleurs que dans nos imaginations et nos conversations. L’imagination est un lieu que nous pouvons aisément habiter ensemble pour peu que nous osions les mots qui la convoquent. Il y a dans l’usage collectif de l’imagination pour bâtir, penser et créer une énergie particulière. Pour Gérard Blanchard, elle est une porte d’entrée pour la recherche, une forme d’investigation, une manière de poser des questions et d’aller dans les recoins que le raisonnement ne prend pas la peine d’éclairer. Sa manière d’enseigner et de restituer ses idées témoignent sans cesse de ce parti pris.

Par chance, nous avons dans un cahier de Lure gardé trace de ce projet-poème, proche de l’idée de musée imaginaire de Malraux. Cela nous a permis d’en faire une nouvelle édition, relue, revue, recréée pour continuer, aux rencontres de Lure, de bâtir ensemble cette maison-typographie, au regard d’une création typographique actuelle si prolifique.

Évidemment, cette maison typographie a des airs de chancellerie, la fameuse maison des Rencontres de Lure dans le village haut-provençal de Lure… où tout cela se tisse dans l’oralité et l’amitié entre des gens de toutes origines et de toutes spécialités. Une utopie en somme.

Si vous voulez le livret (hors commerce), il faut aller à Lure, ou peut-être un jour croiser l’association aux puces typo ou lors d’un de ses mardis parisiens, et vous montrer gentils…

Feuilletage

Dans le petit ouvrage Design et humanités numériques publié chez B42 fin 2017, Anthony Masure propose une vision du design, comme activité et comme projet, dans le champ des humanités numériques. Une vision, car il ne se contente ni de collecter des cas d’étude, ni de définir les termes, mais assemble en sept chapitres des idées personnelles, déjà abordées dans sa thèse (le design des programmes des façons de faire du numérique, que l’on peut par ailleurs trouver en ligne ici) pour mieux cerner et employer, voire pratiquer le design qui en a bien besoin, faisant l’objet de nombreuses approximations et nimbé qu’il se trouve du bullshit industriel et managérial ambiant.

Le projet critique d’Anthony Masure, loin comme il le dit lui-même du panorama, lui permet de proposer une définition personnelle et complète de chacun des termes de son titre. Design, humanité et numérique. Car la question du design numérique va évidemment au final faire bouger celle de l’humanité, et en particulier de la subjectivité.

L’ouvrage commence par une histoire de la discipline humanités numériques et les trois strates qui l’ont progressivement constituée : adoption de la technique au sein des humanités classiques d’abord, appropriation réelle et constitution du design en rhétorique, le stade critique, pourrait-on dire, et enfin, une potentielle déconstruction sociale, politique ou psychologique à la lumière du design numérique qu’Anthony Masure souhaite engager.

« Il est nécessaire d’articuler les préoccupations propres aux « vieilles humanités » (les notions d’ambiguïté, de variation, de subjectivité, etc.) à des modes de pensée propres au numérique (simulation, modularité, automatisation, variabilité, transcodage, etc.) afin d’activer les « possibles » laissés sous silence dans la cacophonie des « innovations » néomédiatiques. »

C’est la bonne nouvelle, contrairement aux messianismes techno-centriques, la critique permet une double contamination : d’un côté le numérique nourrit de nouveaux concepts et de nouveaux potentiels des humanités qui ont traversés les siècles de l’expérience éditoriale, de l’autre, ce sont évidemment des terrains de jeux formidables pour attaquer la pseudo-naïveté technophile et la violence inhérente au libéralisme qui y occupent encore le pouvoir.

C’est évidemment ma lecture et mon interprétation de ces quelques chapitres, sur lesquels je crois rejoindre l’auteur : le design est en effet encore une boîte noire animée d’une recette secrète de fonctionnalisme, d’art, de technique, de savoir-faire que les managers de l’ère numérique ont décidé de faire céder, sous prétexte de besoin de scientificité, de prédictibilité et de contrôle des comportements de ces utilisateurs qu’ils prétendent chérir. Les méthodes de management de projet, l’émergence de L’UX, le « design thinking », sont autant de manières de tenter l’intrusion qui mettra le design sous contrôle. Il résiste encore, tout comme il résiste comme objet de pensée.

J’avais longuement travaillé sur les modèles, la théorie des systèmes, la cybernétique et leur impact sur les sciences humaines (dans les années 90), puis abandonné ce projet, et ça me fait plaisir de voir Anthony Masure souligner au passage ces aspects, ainsi que l’injonction à la créativité qui accompagne dans la réalité la précarisation et la prolétarisation des acteurs du design. Ce qui est bien dans cet ouvrage, c’est qu’il propose une alternative. Alors on peut la critiquer, la trouver incomplète, mais il a le mérite de proposer des pistes solides sur lesquelles construire.

La première est d’abandonner l’injonction au centrage du design sur l’utilisateur, qui est une illusion. La deuxième serait de renoncer au programme prévisionnel qu’elle induit, ainsi du coup qu’au contrôle de son comportement qu’elle véhicule. Il se base sur une longue analyse du travail mené chez Xerox dans les années 60 et 70 et met en avant les multiples poles qui sous-tendent le design, en alternative à la notion de centre. Si le design est un processus dialectique et même plus complexe encore, réticulaire, le réduire à un centre et à une méthode ne peut qu’être aliénant.

Après un retour sur la notion d’appareil, une alternative au dispositif, à la machine et au pré-programme, qu’il avait élaboré dans son travail de thèse, Anthony Masure démontre que le travail du programme peut l’éloigner de l’algorithme en l’ancrant dans le temps, dans le monde physique et dans le dialogue imprévisible avec l’utilisateur avec les paramètres de l’appareil. Au bout du compte, l’utilisateur, le sujet, peut bénéficier du jeu avec cet appareil, dès lors que celui-ci le permet. La balle est donc renvoyée par le critique au designer praticien en lui proposant des pistes dans cette direction. À lui (à nous) de jouer.

« Alors que les ordinateurs se sont historiquement inventés dans le prolongement de modèles cognitifs comportementaux, il nous faut œuvrer à en faire des « appareils », c’est à dire des machines ouvertes à de multiples formes de lecture, d’écriture, et d’expériences esthétiques. […] À rebours de l’injonction contemporaine à mettre du signifiant partout, faisons en sorte que nos « consciences appareillées » puissent dérouter les attendus productifs des environnements numériques. »

Ce petit livre bleu, écrit peut-être dans une langue encore un peu universitaire pour tous les designers (mais qui le sait, après-tout ? c’est peut-être une prévention injustifiée de ma part, et il s’adresse aussi aux « humanistes numériques ») est nourri d’arguments, d’exemples et de citations. Il constitue une mise en perspective utile et nécessaire au moment ou nous designons le plus tranquillement du monde, sous le contrôle des start-ups californiennes et de leurs investisseurs, ou dans la caricature de leur vocabulaire que nous avons forgé au niveau institutionnel et entrepreneurial de ce côté-ci de l’Atlantique, un réseau de plateformes, de systèmes de surveillance et de contrôle centralisés dans le cloud, d’intelligences artificielles ou de robots qui ont déjà pris, d’une certaine manière, le pouvoir sur l’humanité.

À noter : le livre propose quelques compléments en ligne autours d’études de cas de logiciels mais surtout en soulignant certaines fonctions (repérer, quantifier, représenter…) qui constituent des pistes intéressantes pour le travail du designer. À noter aussi, à partir du mois d’octobre 2018, le livre sera téléchargeable sous licence CC BY-NC-SA sur le site d’Anthony Masure. Un prochain titre à paraître de la collection sera Éditions off-line de Gilles Rouffineau, sur les CD-ROM d’auteur des années 1990.

Avec quelques années de retard, puisque cet ouvrage a 10 ans… (mais c’est une qualité du livre de permettre ce temps long, et j’ai l’excuse de l’avoir découvert tardivement, l’an passé) je voulais laisser ici un compte rendu de lecture de l’ouvrage La typographie du Livre Français réalisé par un groupe d’enseignants et étudiants de la filière « Métiers du livre » de l’IUT Michel de Montaigne à Bordeaux, sous la direction d’Olivier Bessard-Banquy et Christophe Kechroud-Gibassier, et publié aux Presses universitaires de Bordeaux en… 2008. Mieux vaut tard que jamais ?

Ce petit livre assez élégant et très dense constitue une excellente introduction à la typographie, son histoire et sa pratique contemporaine et présente une très bonne base de réflexion, le tout dans un esprit que les Rencontres de Lure ne démentiraient pas, teinté d’exigence, d’un brin de nostalgie, mais de beaucoup d’énergie créative aussi. Il permet notamment de recueillir la parole de Jean François Porchez, Massin, Gérard Berréby, Franck Jalleau et Philippe Millot — quasiment tous venus à Lure d’ailleurs. Il est divisé en deux parties, précédées par une introduction sur l’évolution graphique du livre et une histoire-musée-imaginaire de la typo.

« Du plomb au numérique, de la typographie classique à l’impression en offset, le livre français a plus évolué en un demi-siècle qu’il n’avait changé depuis Gutenberg. »

L’introduction parcourt au galop l’histoire de l’édition et de la typo et Christophe Kechroud-Gibassier propose son musée imaginaire, une brève histoire très intéressante qui se concentre sur la typographie de texte et ses acteurs-fondeurs, de l’ancien régime à la PAO, ce qui est utile quand la plupart les livres-albums de typographie représentent largement les styles internationaux et publicitaires au tournant du XXe siècle, exception faite du travail sur le livre de Faucheux et Massin, le plus souvent.

La première partie Rencontres professionnelles est formée d’entretiens menés par les étudiant·e·s avec des professionnels, et pas des moindres. On y rencontre : Jean François Porchez (La typographie c’est l’invisible), excellent dessinateur de caractères, qui affirme une fois encore la contribution que peut apporter la typographie originale à l’édition, contribution souvent mésestimée, car sous le seuil de perception de bien des professionnels du livre dotés d’une culture artistique plus que typographique et qui s’arrête trop souvent à la couverture (hormis pour le livre d’art). Le dessinateur de caractères aborde également la question économique, malheureusement déterminante, quand on voit que l’industrie du luxe investit bien plus dans cet outil que l’édition, dont c’est pourtant le cœur battant.

Massin (On détestait le code typo…) revient sur son parcours graphique, des clubs du livre des années 50 à la direction artistique chez Gallimard. Il relate ses débuts avec Pierre Faucheux au Club Français du Livre, et l’aventure Folio, avec la rupture Hachette-Gallimard, avec la tâche insensée de republier 520 titres en six mois. Il souligne le besoin d’évolution du dessin de caractère pour s’adapter aux techniques nouvelles d’impression, et redonner un peu de chair aux lettres pour compenser la perte du foulage du plomb dans le papier.

Gérard Berréby fondateur d’Allia (Si nous étions une douzaine de maisons en France à savoir faire des livres correctement…) raconte la double contrainte de l’éditeur qui cherche à produire des livres de grande qualité tout en réduisant au maximum ses coûts de fabrication et en s’insérant parfaitement dans le monde du commerce. Sans révéler ses secrets, il indique les pistes sur lesquelles il s’est engagé, le choix du Plantin, le papier ivoire pour la lisibilité, l’impression à l’étranger, les petits prix… Il revient notamment sur le succès phénoménal de Ben Schott (Les Miscellanées) et le risque que représente le best seller pour une petite maison.

Franck Jalleau, graveur et enseignant à Estienne (Les graveurs dignes de ce nom connaissaient les conséquences de l’impression d’un caractère…) décrit la pléiade d’amis et d’influences qui font de la typographie française un chaudron. Cercles, ANCT, beaucoup de noms de Lure, évidemment… Il souligne le goût de la minutie qui permet à la gravure d’être aujourd’hui en charge de compenser la perte de netteté et de noirceur induites par l’offset, les encres, la vitesse et le numérique. Lui, dont le travail à l’imprimerie nationale reste confidentiel, souligne aussi le manque d’imagination de l’édition pour se saisir des meilleures possibilités proposées par la typographie de qualité, noyée dans une avalanche numérique de caractères médiocres.

Philippe Millot (Le milieu est l’ennemi du bien), dessinateur de livres, comme il se définit lui-même, enseigne aux arts déco, et réalise parmi les plus beaux livres contemporains. Ce designer brillantissime relate son parcours, ses réflexions sur la création, les procédés, contraintes et choix (Matthew Carter) qui sont les siens. Il déplore le manque d’esprit qu’il ressent dans la création graphique contemporaine : il a besoin de se nourrir intellectuellement, d’établir une harmonie entre le livre, le travail, sa vie personnelle. Il insiste sur le besoin de formalisme en édition : Les idées ne suffisent pas.

Quelques contributions complètent l’ouvrage dans une seconde partie que je ne vais pas trop détailler, car si vous êtes arrivé·e à ce stade, je pense que vous avez compris qu’il est bien de se procurer l’ouvrage : les souvenirs techniques de Philippe Schuwer, passé par les PUF, Tchou, Hachette, Nathan et Larousse et créateur des cours d’édition à Paris 8, qui parle franchement de « déclin ». L’architecture graphique de la littérature contemporaine d’Olivier Bessard-Banquy. Le choix typographique de Marc Arabyan qui explore au microscope ce choix et se permet de critiquer la doxa des imprimeurs de ladite connotation en expliquant la notion de dénotation. Un article de Jérôme Faucheux sur l’approche de son père, Vers une typographie symbolique. L’avant -garde typographique au début du XXe siècle d’Olivier Deloignon, qui analyse les expérimentations (comme celle de Mallarmé avec Un coup de dés) et réactions.

En conclusion, on constate au fil de ces discussions et contributions qu’une exigence alliée à une conception forte de l’héritage et une conscience des contraintes techniques dessinent la typographie dite « française ». Une drôle d’alliance entre un classicisme assumé et une conception de la radicalité dans le détail infra-visible. Certainement aussi le sentiment de ne pas être assez soutenu et accompagnés par une industrie éditoriale relativement tiède et jugée assez médiocre, hormis quelques avant-gardes. C’est le paradoxe éternel de cette typographie, servante dévouée du texte, que les éditeurs et auteurs méprisent encore, chapeautés qu’ils sont désormais par les financiers. Il n’est pas trop tard pour lire ce livre qui a dix ans, même si on peut constater depuis le fleurissement de mille micro maisons d’éditions qui ont contribué à relever le niveau, en produisant des ouvrages exigeants sur la forme. Le modèle éditorial étant celui du vivier, espérons qu’elles contribueront, par imitation ou par rachat, à une meilleure harmonie entre le caractère et la page imprimée. À Moins que le web, longtemps parent pauvre au niveau typographique, ne double en qualité l’édition imprimée, en se dotant de la grille, des fontes et règles fines de gestion de la composition, ainsi que d’une armada de designers passionnés, comme il est en train de le faire…

À noter pour finir : cet ouvrage fait partie d’une collection Les cahiers du livre qui compte d’autres titres, comme : La fabrique du livre, Les mutations de la lecture, Le livre érotique, L’édition littéraire aujourd’hui : on peut en consulter les fiches et se les procurer sur le site du comptoir des presses d’universités.